9 résultats pour “isabella hin”

Artiste, scénographe et violoncelliste, titulaire d’un DNSEP au Pavillon Bosio, Eléonore Kabouche emploie l’installation sonore, la vidéo et la performance pour restituer des expériences d’improvisations situées.

Artiste visuelle auprès des danseur·euses, elle accompagne des recherches et pratiques improvisées avec Alice Godfroy et Christine Quoiraud. La présence des corps dans les espaces d’exposition retient également toute son attention. Elle croise ces champs pour donner forme à des intentions curatoriales initiées autour d’archives et photographies de danse.

Médiatrice et scénographe pour La Collection voyageuse du Nouveau Musée National de Monaco, elle appréhende les pratiques du « care » entre médiation et conservation et collabore pour des commissariats d’exposition : Danses du regard au Pavillon Bosio avec Leah Friedman en 2024, Agora : la place du Musée avec Benjamin Laugier au NMNM en 2025.

Camil Navarro est un.e artiste interdisciplinaire d’origine chilienne dont la pratique trouve ses racines dans le théâtre, la danse, la musique et la performance.

Son travail étudie la notion de corps critique, situant la physicalité de l’interprète comme un axe central de l’exploration des espaces identitaires dans un changement continu de la figure et des fondements. Basées sur des stratégies somatiques, des opérations chorégraphiques, des vocalisations expérimentales et des procédures d’écriture, ses performances abordent des thèmes et des contextes liés aux mouvements de résistance et à la désobéissance civile au Chili et en Amérique latine, à la crise de l’eau et de l’environnement due à des causes anthropogéniques, et aux discussions autour de la matrice culturelle occidentale et cisgenre à travers une position éthique et méthodologique des perspectives transgenres.

En 2022, Camil a été lauréat.e du programme international de l’Institut français du Chili et de la Cité internationale des arts. Lors de sa deuxième résidence dans le cadre du programme 2-12 de la Cité internationale des arts, iel développera un processus de recherche chorégraphique à La Fabrique Chaillot – Théâtre national de la Danse, en collaboration avec des artistes drag queens et king du Centre LGBTQI+ Paris-îDF, pour la création d’un Laboratoire trans-gestuel : Un espace protégé qui nous permet de rendre visible nos mémoires gestuelles invisibles et la manifestation délibérée de nos politiques de la différence.

MUSIQUE
COMPOSITION

Or Shemesh, née en 1981 à Be’er-Sheva, Israël, est compositeur. Il est étudiant de troisième cycle en composition à l’Université Felix Mendelssohn Bartholdly de musique et théâtre de Leipzig.

Constamment à la recherche de nouvelles façons d’élargir les limites de la grammaire musicale, il introduit divers matériaux bruts, non musicaux, facilement trouvables et familiers dans de nouveaux contextes musicaux afin de les défamiliariser et d’activer leur potentiel musical.

Les compositions d’Or Shemesh ont été interprétées dans divers lieux, dont le festival Sirga à Flix, en Espagne par l’Ensemble Soundinitiative français, au Felicia Blumenthal Hall à Tel-Aviv par l’ensemble autrichien Phace, le Stainer Center à Holon, Israël dans le cadre du projet “Composing for immigrant musicians”, à la Hochschule für Musik à Stuttgart et bien d’autres.

Or Shemesh est boursier et chargée de recherche du réseau ELES pour les années 2016-2018. En outre, il a reçu plusieurs bourses d’excellence, dont la bourse David Herzog de la ville de Graz, la bourse de la Fondation culturelle israélo-américaine et la bourse des Associés suisses de l’Université de Tel-Aviv.

Peng Zuqiang est né en 1992 à Changsha, en Chine. Il vit et travaille à Amsterdam.

Son travail comprend des films, des vidéos et des installations, et s’intéresse aux résonances affectives des histoires, des corps et du langage. Le travail de Peng a été présenté dans de nombreuses institutions, dont la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Italie, 2023), Videobrasil (Brésil, 2023), Kevin Space  (Autriche, 2023), Cell Project Space (Royaume-Uni, 2022), et e-flux screening room (États-Unis, 2022).

Mohssin Harraki développe une œuvre à la frontière de l’image et du dispositif, prenant ses sources chez les Anciens comme dans les débats les plus contemporains sur l’éducation, l’histoire, la politique, et plus spécifiquement dans le monde arabe. L’artiste questionne à la fois la construction culturelle et les mécanismes de constitution de la mémoire et de l’imaginaire collectif. Il s’intéresse à des sujets tels que la généalogie, la transmission du pouvoir et l’éducation. Il est représenté par la galerie Imane Farès (Paris).

Dans son projet de résidence à la Cité internationale des arts Image interdite/image manquante, l’artiste remet en question l’interdiction de l’image et le degré de manque qu’elle produit, tout en évoquant les moyens de production des archives et son rapport à l’Histoire dans le contexte marocain et dans celui des pays arabes en général.

Marcel Mrejen (FR/DZ) né en 1994 (Paris, FR) est un artiste et réalisateur explorant l’articulation de la technologie au sein des métabolismes vivants et économiques. La forme de son travail s’étend à travers différents médias – installations, image en mouvement, son et machine-learning.

Il est diplômé de la Gerrit Rietveld Academie d’Amsterdam en 2018, avant d’être résident au Fresnoy de 2021 à 2023. Son travail a été exposé au Stedelijk Museum, Institute of Contemporary Arts, ou encore Eye Filmmuseum. Son film Memories of an Unborn Sun a remporté le Prix du Meilleur Court-Métrage à Visions du Réel en 2024 et a été présenté dans plus d’une quarantaine de festivals et institutions à travers le monde.

Kra Kouassi s’est formée au cinéma documentaire aux ateliers Varan avec Daniel Deshays, concepteur d’une écriture sonore et ingénieur du son, et Michel Creïs, ingénieur du son membre de l’atelier de création radiophonique, ACR de France Culture. Elle a participé à un atelier du théoricien et dramaturge Jean-Pierre Sarrazac, et bénéficié de l’accompagnement du cinéaste Claudio Pazienza.

Dans sa pratique, elle est en quête d’expériences intimes de la connaissance, dans des situations de conflit. La répétition, l’immobilité, la présence, la misère même de l’ordinaire est la matière dans laquelle elle grave cette quête. Elle essaie de faire sens du réel en le façonnant principalement à partir de l’impuissance individuelle et son effort de tendre vers un être collectif.

Son projet Le Baobab des Grands Fonds veut faire l’expérience de la vie de l’Afrique dans l’imaginaire antillais, à partir de l’exubérance du discours d’un Baobab majeur parcourant l’arrière pays agricole guadeloupéen. Les expressions du Baobab, le son de la langue créole de Guadeloupe, le souffle des corps de descendants d’affranchi.e.s, le silence d’une fortune ineffable ; tels sont les quatre éléments de la matière sonore que Kra Kouassi explorera pendant sa résidence à la Cité internationale des arts, afin de rechercher et d’expérimenter une mise en scène et une mise en espace appropriée.

Yana Nafysa Dombrowsky-M’Baye est une chercheuse et éducatrice multidisciplinaire originaire de Tāmaki Makaurau, Aotearoa. Les ancêtres maternels de Yana sont originaires du Sénégal et de France, tandis que ses ancêtres paternels sont d’origine polonaise et tchèque. À travers l’image animée, l’installation in situ et la fabrication d’objets animés, la pratique de Yana est une exploration poétique des conditions matérielles et immatérielles de l’appartenance.

Au moyen de processus itératifs et ritualistes, Yana spécule sur la pratique spatiale comme forme d’archéologie, travaillant avec les matérialisations mnémoniques, fragmentaires et absentes d’identités interculturelles dans des lieux marqués par l’histoire coloniale et l’héritage personnel. À travers une multitude d’échelles de temps, des récits généalogiques et géographiques émergent et se dissolvent dans une pratique qui explore les architectures douces et dures du postcolonialisme.

Sofia Kouloukouri est une artiste visuelle, performeuse et écrivaine basée à Athènes. À travers l’endurance et la narration, son travail traite des poids littéraux et affectifs en tant qu’héritage féminin issu de l’éducation fondamentale des filles, des mythes et des doctrines religieuses. Pour résister, dans ces oeuvres, les corps féminins s’efforcent de devenir des forces de la nature, se mesurant au paysage, se synchronisant avec les éléments ou, dans une transe de fureur, transformant leur énergie cinétique en électricité. Au sein de sa propre écologie féministe, Kouloukouri explore ce que signifie d’être solide en tant que fille et femme aujourd’hui.

Sofia Kouloukouri est diplômée de masters en études cinématographiques (Auth, GR), en arts visuels (Edhea, CH) et en histoire de l’art (UNIGE, CH). Ses recherches academiques portent sur les femmes artistes et le travail du sexe. Ses écrits ont été publiés par Nero Editions, Miami Books et The Art Newspaper. Son premier livre, Artistes Femmes et Travail du Sexe, a été publié par les Éditions L’Harmattan en 2025. Elle curate, avec Alexios Seilopoulos, le festival de film Pleasure&Disobedience. Le travail de Kouloukouri a été présenté entre autres à : Roman Road London, Halle Nord Genève, Le Grütli Genève, MACBA Buenos Aires, MCBA Lausanne, MIR festival, Kunsthal Charlottenborg Copenhague, Phenomenon Studios Reykjavik, Roma Diffusa Rome, ArtAthina, Museo Nacional y Centro de Investigaction de Altamira.