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ENTRETIEN

Dans le cadre de votre résidence à la cité internationale des arts, en partenariat avec la Fondation Culture & Diversité, vous avez bénéficié d’un accompagnement à la création par un commissaire membre de C-E-A / Association française des commissaires d’exposition. De quelle façon cet accompagnement s’est-il déroulé ? 

“L’accompagnement par un commissaire d’exposition C-E-A s’est très bien déroulé, j’ai été accompagnée par Alexandra Goullier Lhomme (interview à découvrir ci-dessous) avec qui nous avons non seulement travaillé autour des questions de l’exposition de septembre, mais également sur des méthodologies. Nous avons fait un tour complet sur mon travail, mes dossiers, portfolio, CV et texte de présentation. Nos échanges autour de ma pratique artistique, m’ont permis de clarifier certains points, de prendre du recul sur d’autres. C’était une rencontre très importante dans mon parcours, et j’en suis vraiment ravie.

Au cours de ces derniers mois, grâce aux différents dispositifs d’accompagnement mis en place, avec la fondation C&D, C-E-A et la Cité internationale des arts, je me suis réellement professionnalisée, j’ai l’impression d’avoir acquis des outils, qui me serviront par la suite dans mes prochaines résidences et mes prochaines expositions.“

Avez-vous une anecdote ou un moment marquant de votre résidence à partager ? 

“Un des moments forts de cet accompagnement a été selon moi, le moment de l’ouverture de mon atelier, que nous avions intitulé « promenons-nous ». Ce fut un événement très intéressant, où j’ai pu partager le travail fourni durant ma résidence à la Cité internationale des arts. L’atelier ouvert a donné lieu à des échanges très enrichissants, avec Alexandra d’une part lors du montage de l’installation, mais également avec les visiteurs. C’était un moment important de la résidence, qui m’a permis d’avoir un aperçu de ce que pourra donner l’exposition de septembre.”

Vous inaugurerez une exposition à la Cité internationale des arts en septembre 2022 à l’occasion du festival des Traversées du Marais. Comment ce projet s’est-il développé dans le cadre de votre résidence ?

“Dans un premier temps, j’ai commencé par expérimenter pleins de choses, j’ai travaillé sur différents projets et techniques en même temps. J’ai par exemple travaillé sur plusieurs peintures sur bois représentant des saynètes peintes à l’huile, en tissant des liens narratifs entre chaque peinture pour créer une fiction. Je me suis également lancé dans la production de deux grands formats sur tissu libre, d’un parquet imprimé sur du papier kraft en linogravure et d’une vidéo d’animation.

Tous ces éléments ont été travaillés de façon simultanée. J’ai fait des allers-retours, en sautant de pratique en pratique et de projet en projet (ce qui fait partie intégrante de mon processus créatif et qui m’aide à créer un ensemble de pièces cohérentes).

Après cette phase d’expérimentation, nous avons beaucoup échangé avec Alexandra autour de mon travail, ce qui m’a aidé à affirmer certains choix. Nous avons ensuite, pour ma participation à la soirée Ateliers ouverts, travaillé l’installation des pièces dans l’espace, ce qui m’a permis de me projeter pour l’exposition de septembre et de faire le point sur les éléments à ajouter, et à améliorer.”

BIOGRAPHIE

Après une première année de classe préparatoire aux Ateliers d’arts plastiques d’Evry, Lucie Postel intègre l’École nationale supérieure d’art – Villa Arson, dont elle sort diplômée en 2020. Elle vit et travaille désormais en région parisienne depuis 2021.

Durant ses années d’étude, elle a eu l’occasion de développer un travail plastique composé de plusieurs techniques. La peinture (sur bois ou sur toile) est le cœur de sa pratique. Elle lui permet de dérouler une trame narrative inspirée de l’univers des contes. En résulte des séries de peintures surréalistes qui explorent divers questionnements autour de l’intime, de la maison comme refuge, mais aussi comme lieu troublant. À travers ses peintures, Lucie Postel crée des mondes où les intérieurs et les extérieurs se mélangent, et où le réel et l’imaginaire se confondent.

Son travail vidéo, ou images animées, lui permet quant à lui de mettre en mouvement ses saynètes figées. En effet, les peintures de Lucie Postel sont la matière première de ses vidéos, elle en extirpe des paysages et personnages qu’elle anime afin de développer la trame narrative des saynètes.

En parallèle, elle travaille également la linogravure qui lui permet de créer des motifs qu’elle peut ensuite imprimer en série pour en faire un papier peint, un sol ou une tenture dans le but de créer des installations immersives et de transformer les espaces d’exposition en espace de l’intime.

Entretien avec Alexandra Goullier Lhomme

Vous êtes membre de C-E-A / Association française des commissaires d’exposition, comment avez-vous été menée à accompagner Lucie Postel pendant sa résidence ? 

“Dans le cadre du partenariat entre la Cité internationale des arts et Fondation Culture & Diversité, C-E-A a lancé un appel à candidatures pour accompagner Lucie Postel pendant les quatre mois de sa résidence. J’ai donc tout simplement répondu à cet appel à candidature diffusé à travers la newsletter de C-E-A.

Cet appel me semblait très intéressant sur deux points. D’un point de vue méthodologique d’abord, C-E-A avait décidé de publier cet appel à candidatures tout en transparence. Le portfolio de l’artiste que l’on devait accompagner était joint à l’appel et permettait ainsi de comprendre rapidement à quel profil on aurait à faire. D’un point de vue plus global, cette mission m’intéressait car l’accompagnement des artistes émergeant est vraiment ce qui me nourrit dans mon métier.”

Par quoi cet accompagnement s’est-il traduit ?

“L’accompagnement s’est traduit par une série de rendez-vous avec l’artiste dans un rapport horizontal et sans jugement aucun. Chaque rendez-vous était l’occasion d’échanger avec Lucie Postel au sujet de son travail, de mettre en place des exercices plus concrets (réaliser un portfolio, un CV, un budget, une postulation, une visite d’atelier, etc.), de partager nos expériences et ressentis vis-à-vis du monde de l’art et surtout de prévoir ce qu’il serait éventuellement nécessaire d’aborder la fois suivante.

Je pense que cet accompagnement s’est beaucoup basé sur l’écoute des besoins formulés par l’artiste. L’attente principale de Lucie était de développer un discours plus construit sur son travail et au final c’est quelque chose qui est venue de manière très spontanée à force d’échange. En tournant autour d’exercices plus concrets et factuels, qui ne sont que trop rarement abordés dans les écoles d’art, cela a finalement permis à Lucie de prendre confiance en elle et de développer un vrai discours autour de son travail. Je vois cet accompagnement comme une béquille qui permet de consolider les endroits encore un peu trop fragiles, afin de se professionnaliser d’une part, mais surtout pour avoir la force de s’imposer dans un milieu pas toujours facile.”

Quels sont selon vous les avantages de ce dispositif d’accompagnement proposé dans de le cadre du programme de résidences “Cité internationale des arts x Fondation Culture & Diversité” ?

“Je pense que l’atout principal de cet accompagnement est le luxe de pouvoir prendre du temps. Le temps d’échanger, de se connaître mutuellement, le temps de douter, d’essayer et de rater, d’un côté comme de l’autre.

Dans le cadre de cet accompagnement, un accrochage devait voir le jour. Avec Lucie, nous avons décidé conjointement de voir cet événement comme un exercice où le cheminement, les réflexions, les tentatives étaient plus importantes que le résultat. Nous avons donc tenté des choses dans son atelier pendant plusieurs jours, et cet exercice nous a véritablement appris tant l’une sur l’autre que sur les différents modes d’accrochage possible dans le travail de Lucie Postel.

Je pense que cet accompagnement est avant tout un accompagnement humain et qu’il est important de noter que l’apprentissage se fait dans les deux sens.”

BIOGRAPHIE

Alexandra Goullier Lhomme est commissaire d’exposition indépendante. Ses recherches curatoriales portent sur la porosité des frontières, qu’elles soient d’ordre géographique, social, temporel ou langagier. Défaire toute notion de catégorie et questionner toute définition, sont les outils qui bordent sa pratique. Ces réflexions l’ont notamment amenée à s’intéresser particulièrement au médium de la performance dans sa capacité à naviguer entre les arts et à glisser entre les catégories – toujours en mouvement. Toute sa pratique est cependant ancrée dans un champ poétique et politique où la pluralité des visions, des voix et des médiums est centrale. 

Diplômée d’un master en Arts plastiques et Sciences de l’Art (Paris 1 – Panthéon-Sorbonne / New York University) et d’un master professionnel en commissariat d’exposition (Sorbonne – Paris 4), Alexandra Goullier Lhomme a travaillé comme commissaire d’exposition indépendante, assistante curatoriale, chargée de production et assistante d’artiste à New York, Londres et Paris. En tant qu’assistante curatoriale, elle a notamment travaillé pour le programme d’art contemporain du château de Versailles (2018-2019) et au Palais de Tokyo (2017 – 2018). Plus récemment (2021), elle fut chargée de recherches pour le laboratoire espace cerveau de l’IAC – Institut d’art contemporain de Villeurbanne/Rhône-Alpes. Parmi ses projets indépendants on compte notamment Nourrir le terreau, Villa Belleville (Paris, 2022) ; Date(s), une exposition postée (2021) ; Tongue on tongue, nos salives dans ton oreille, Galerie Allen, Cité Internationale des arts – Site de Montmartre, KADIST & espaces publics (Paris, 2019) ; Nos ombres devant nous, Fondation d’Entreprise Ricard (Paris, 2017).

Co-directrice de Liquid Ground // Swapping Tongues, une initiative curatoriale ayant pour ambition de promouvoir les arts éphémères et publier des écrits d’artistes, Alexandra Goullier Lhomme est également co-commissaire de la saison 2023-2024 de Orange Rouge et membre active de curatorial hotline (https://curatorialhotline.art/), un collectif qui propose des e-rendez-vous de conseils individualisés aux artistes dans un rapport horizontal et solidaire. De 2018 à 2020, elle fut co-directrice de prologue, un collectif curatorial soutenant les arts performatifs.

Nathalie Harb est une artiste et designer multidisciplinaire. Diplômée d’un master en cinéma et pratiques audiovisuelles de l’ALBA de Beyrouth en 2000 et d’un autre master en design, performance et pratique de Central St Martins en 2004, elle continue à apprendre et à étudier parallèlement à sa pratique.

Elle collabore avec des praticiens des arts, du design et de l’architecture avec qui elle développe des projets qui vont des interventions urbaines aux films, au théâtre et aux installations. Elle crée des interventions publiques, des installations et des scénographies qui remettent en question les notions de foyer, d’abri et d’agence, en proposant une utilisation alternative de notre habitat quotidien.

Sa pratique artistique se concentre sur la notion d’espace, associant le public à l’intime, et dans ce spectre, les dualités entre refuge, soin, attention et foyer, contre menace, peur, danger et conflit. Dans l’espace public, elle cherche les manières de repenser nos imaginaires urbains en mettant en œuvre des expériences spatiales ou en cherchant des outils qui permettent de sensibiliser les citoyens au pouvoir qu’ils peuvent avoir sur leur ville et ses biens communs. Dans l’espace intime, Natalie Harb questionne la complexité de la construction d’un foyer, les sens possibles que l’on peut lui attribuer, l’exil prenant l’aspect d’un nomadisme volontaire, et le corps comme enveloppe ultime de ce qui définit notre espace intime, au travers d’un dispositif scénographique qui dévoile la dramaturgie d’une pièce de théâtre qui ne sera pas représenté.

Son travail a été installé et exposé dans le monde entier, financé par des institutions importantes telles que l’UNESCO, la Neighborhood Initiative de l’Université américaine de Beyrouth, la Biennale de Design à Londres, le British Council, l’Institut Goethe et la Greater London Authority. Elle s’est récemment concentrée sur deux projets : The Silent Room et Urban Hives, deux interventions urbaines qui répondent à un besoin d’espace communautaire dans un paysage urbain de plus en plus dépersonnalisé.

Constantin Jopeck est diplômé de la Coopérative de recherche de l’Ecole Supérieure d’Art Clermont Métropole en 2022. Depuis 2020, il mène un travail de film documentaire et expérimental sur le terrain de la Ferme de Lachaud dans la Creuse (France), un modèle d’agriculture éthique et un refuge environnemental pour les espèces en voie de disparition.  Ce travail comprend ses récents projets Le chemin du serpent et Les égards partagés, soutenu par le CNAP.

Ashiko Ratovo est née en 1998 à Antananarivo (Madagascar). Artiste pluridisciplinaire autodidacte, elle est la lauréate de la 7ème édition du Prix Paritana.
 

Suite à l’obtention de son Bac en 2017, elle intègre une Licence de psychologie sociale à l’Université d’Aix-Marseille. En parallèle de ses études, Ashiko Ratovo pratique la peinture, l’aquarelle, puis l’acrylique. Curieuse de la multiplicité des supports et des médiums, elle intègre progressivement à sa pratique la sculpture et s’exerce à la broderie. En 2022, elle suit la formation AINGA à la Fondation H – un accompagnement visant à offrir aux artistes des bases théoriques et pratiques solides dans leur carrière artistique. Durant cette même période, Ashiko Ratovo crée sa propre marque d’aquarelle 100% naturelle : Lokorano (peinture à eau en Malgache). La même année, elle intègre la Licence d’Arts plastiques à Paris Panthéon Sorbonne. Son travail est présenté pour la première fois lors de son exposition personnelle : Vohitrin’ny Nofy [Reliefs des songes] à Art’Home Ankadilalana Antananarivo en octobre 2022.

Lors de sa résidence à la Cité internationale des arts, Ashiko développe son projet Tsy manan-kialofana [Sans-abris]. La même année, le prix création Africa lui est décernée par le ministère français de la culture pour son projet d’animation co-crée avec la réalisatrice malgache Dina Nomena Andriarimanjaka, vice-lauréate de la 7ème édition du Prix Paritana.
 

Ashiko Ratovo expérimente plusieurs médiums : l’alliance de l’aquarelle et de l’acrylique pour représenter des paysages abstraits et organiques, rappelant l’idée d’une fôret-refuge ou d’un foyer. Foyer dans lequel l’artiste projette avec ambiguïté autant l’envie de s’y terrer que l’envie de le fuir. De ses recherches, Ashiko Ratovo aboutit à la réalisation de l’oeuvre Halam’patana [Foyer], un ensemble de quatre peintures représentant des fils sur lesquels le linge sèche. L’image des vêtements étendus témoigne de l’occupation des maisons, marquant également l’établissement des personnes au sein de la société malgache.
 

Le textile occupe une place particulièrement importante à Madagascar, autant au niveau de la tradition du tissage que dans l’utilisation même des produits textiles. Le lamba, pièce tissé traditionnelle malgache, accompagne l’homme tout au long de sa vie, de sa naissance à sa mort. Il agit comme une seconde peau, comme une protection qui évoque à l’artiste à nouveau l’idée de refuge.
 

Au-delà de la représentation du textile dans ses peintures, Ashiko Ratovo intègre directement les fibres textiles dans une nouvelle recherche plastique : Hanafotra [Submerger]. Cette série est composée de plusieurs pièces dont la structure en fil de métal fait un écho aux fils de fer utilisés pour étendre le linge et est recouverte d’un argile friable et fragile soutenu par un amas de fils de laine et de coton.

ENTRETIEN

En tant que lauréate prix Paritana, vous bénéficiez du programme de résidences pensé par la Cité internationale des arts et la Fondation H. Pouvez-vous nous dire un peu plus sur votre expérience ?

Le Prix Paritana est le plus grand prix d’art contemporain dédié aux artistes malgaches, suite à ma candidature j’ai été nommé Lauréate de la 7eme édition de ce prix. J’ai donc bénéficié du programme de résidence à la Cité Internationale des Arts. Me retrouver dans un espace de création pensé pour les artistes m’a permis de me redécouvrir dans mon art, le fait d’avoir été « couper du monde » en me mettant délibérément en situation d’isolement dans l’atelier m’a poussé dans mes derniers retranchements, ce qui m’a ouvert de nouvelles portes dans ma création. Cette résidence m’a donné l’opportunité de mener mon projet à son aboutissement et par la même occasion de me lancer dans le développement de mon art. Ma pratique est assez jeune, mais mon envie de créer est présente depuis toujours. 

Pourquoi choisir la peinture comme principal moyen d’expression artistique ?

Je suis une artiste « touche à tout » , je fais beaucoup dans l’art textile et les sculptures avec diverses matières, mais la peinture m’a paru comme une évidence lors de mes recherches. Je ne l’ai pas choisis, c’est elle qui est venue à moi. À la moitié de mon temps de résidence je n’arrivais plus à créer, mon seul échappatoire était de produire mon aquarelle que je broie à la main car ça me permettait en quelques sortes de rester « productive ». Par accident j’ai fait tomber mon mortier plein de couleur sur une toile et en séchant les pigments y en adhèreraient. Les effets que l’aquarelle combinée à l’acrylique, déjà sur la toile, m’ont tellement plu que j’ai décidé d’en faire une série pour mon exposition.

Quels projets avez-vous développés pendant cette résidence ? Pouvez-vous nous dire un peu plus sur vos projets futurs ?

Mon projet s’intitule « Tsy Manan-kialofana » ou sans abris en malgache. Pensé comme un tout, des différentes étapes de vie d’un être humain en décomposant l’aspect direct d’un « foyer ». Ma démarche artistique consiste à travailler sur les conditions humaines, et dans chacun de mes projets artistiques j’y mets une touche d’autobiographie car j’aime retranscrire dans mon travail une partie de moi-même, ça me permet de rester authentique et de discuter avec le spectateur sans avoir à prononcer un mot.

La suite de l’exposition qui a eut lieu à la Fondation H Paris se fera au mois de Mars 2024 à l’Institut Français de Madagascar. Cette seconde partie sera l’aboutissement final de mon projet, que je souhaite rendre évolutif .

En parallèle j’ai un projet d’animation qui s’intitule « La fabrique des filles » avec la réalisatrice Dina Nomena, que nous comptions développer et lancer en tant que campagne de projection itinérante dans toute l’île de Madagascar afin de sensibiliser le plus de personne sur le poids que la société a sur l’éducation des femmes.

ARTS VISUELS
INSTALLATIONS

Yohann Quëland de Saint Pern, né en 1980, est un artiste visuel et réalisateur, diplômé de l’ESAB de Rouen (DNSEP) et d’un Master Assistant de Réalisation.

« La démarche de Yohann Quëland de Saint Pern est profondément motivée par une attitude philosophique et politique de refus des principes d’autorité qui régissent l’organisation sociale. Au moyen de performances-vidéo et plus récemment de dessins, où priment le dérisoire et l’absurde, il propose une lecture décalée ainsi qu’une réévaluation de la réalité. Le déplacement, sous forme de flânerie ou d’arpentage, constitue pour Yohann Quëland un médium privilégié pour s’interroger sur l’inscription de l’individu dans son territoire. A l’aide de l’Homme au casque rouge, “personnage-homme-outil” qu’il a créé au début des années 2000, il réalise des performances filmées qui mêlent écoute attentive du monde et légèreté : saluer les promeneurs du Jardin des plantes de Rouen, coudre un espace blanc ou effectuer des gestes lents au milieu de l’agitation des flux urbains… Lenteur et inutilité font de son travail un geste de résistance à la fois poétique et politique, en cela qu’il est ‘”libéré d’une relation à une fin” ». 

– PdB, notice du catalogue en ligne de l’Artothèque du Département, 2010.

Son travail a été présenté notamment au Pulsar à Caracas, au Musée Alejandro Otero-Mao au Venezuela, au Xiamen International Contemporary Art Exhibition en Chine, à la Sakshy gallery, à Mumbai en Inde, au Centre Pompidou Metz, au FRAC Lorraine, ainsi qu’au Palais de Tokyo lors des Nuits Blanches à Paris en 2012.

Né en France, Benoît Piéron vit et travaille à Paris.

Benoît Piéron s’intéresse à la sensualité des plantes, les limites du corps et la temporalité des salles d’attente.

Sa pratique s’articule autour de patchworks, d’installations, de jardinage existentiel et de créations de papiers peints. Ayant toujours vécu la maladie comme un partenaire de vie, le milieu hospitalier est son écosystème. Il cherche à produire des expressions alternatives de la maladie, la considérant comme un potentiel. Loin de l’héroïsme romantique des métaphores habituelles de la maladie, Benoît Piéron se place dans une zone grise et joyeuse.

Sa pratique s’inspire del’expérience de l’attente et explore les frontières ambiguës entre la santé et lamaladie, la présence et l’absence, l’intérieur et l’extérieur, le corps et les structuresarchitecturales, temporelles et médicales qui le façonnent. Il a récemment exposéà la Biennale de Liverpool (Royaume-Uni, 2023), au Palais de Tokyo (France, 2023),à la Bourse de Commerce – Collection Pinault (France, 2023) et à la FondationPernod Ricard (France, 2022).

Durant sa résidence, Benoît Piéron développera un projet alliant art et santé. Dans le prolongement de sa recherche sur la sexualité à l’hôpital, initiée à l’Antre Peaux lors de l’exposition “Bandage”, et avec le soutien du Prix Carta Bianca, Benoît Piéron échangera avec des personnes im·patients pour les interroger sur leur expérience du plaisir à l’hôpital.

Nourrie de théories et de pratiques féministes à travers une pédagogie inversée, sa méthodologie de travail vise à créer des safe spaces pour l’accueil, l’échange et le partage de la parole des personnes invalidées.

Marina Vandra est diplômée de l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs de Paris en 2015 et du Royal College of Art de Londres en 2017. Sa pratique se compose de peintures, d’estampes et d’installations picturales. Celles-ci présentent des espaces abstraits, intimes et utopiques, mêlant formes architecturales et organiques. Les vocabulaires de l’habitat, de la fenêtre, de la cabane et du jardin sont convoqués, sans faire référence à une culture spécifique, tendant ainsi vers une certaine universalité du lieu domestique. 

Les peintures, de couleurs homogènes, sont réalisées à l’acrylique, en aplat mat et lisse. De grands formats, sur toile ou sur papier, entrent en relation les uns avec les autres pour proposer des ensembles dont le statut tendraient vers celui de la tapisserie ou du décor. C’est un espace de seuil qui est suggéré, là où le cadre et la fenêtre jouent un rôle important dans l’élaboration du regard, entre intérieur et extérieur, entre intime et social. Marina Vandra souhaite ainsi questionner la manière dont la perception, la compréhension et l’identification d’un environnement influent sur notre façon d’agir sur celui-ci et d’interagir entre individus. 

Alexander Lee est né à Stockton, en Californie, et a grandi à Mahina, sur l’île de Tahiti, en Polynésie française. Il vit et travaille entre Tahiti et New York. Il a obtenu son BFA de la School of Visual Arts (2000), son MFA de l’Université de Columbia (2002) et MPS du Programme de Télécommunications Interactives (ITP) à l’Université de New York (2004).

Sa trilogie, THE DEPARTURE OF THE FISH, dont le titre fait référence au mythe de création de l’île de Tahiti, a été exposée à Kinkead Contemporary, Los Angeles en 2006 et à Clementine Gallery, New York en 2007. Ses projets ultérieurs, RECITATIONS FROM THE GREAT FISH CHANGING SKIES (2008), et EXPANDING-EEL-DEVOURER (2009) témoignent de son intérêt pour la narration et le processus anthropique.

THE TUPAPAU WITHIN (TE TUPAPAU MANAVA) (2010-11), opéra contemporain sur les bêtes intérieures en jeu dans le processus créatif, a été conçu avec le Compositeur Keith Moore et installé dans la Galerie Newman Popiashvili avec la contribution de Gabriel Romero, Juliana Snaper et le PRISM Quartet. En 2011, dans DESSINER UHURU, l’artiste a parcouru les 5 895 mètres jusqu’au sommet du pic Uhuru (liberté), au Kilimandjaro, pour y déployer un dessin du drapeau tahitien qu’il a tracé lors de son ascension.

Il a été professeur invité au Centre des Métiers d’Arts de Polynésie Française entre 2012 et 2016, où il a dirigé MANAVA, une série de workshops et un projet d’exposition qui voulait revisiter la collection ethnographique du Musée de Tahiti à travers des œuvres contemporaines.

En 2014, il expose THE BOTANIST, un récit visuel de la légende de l’arbre à pain à travers les premières initiatives botaniques anglaises dans le Pacifique, au Collectors Contemporary de Singapour. Ses projets suivants, THE BOTANICAL FACTORY I & II ont été respectivement présentés par Art Production Fund au Cosmopolitan de Las Vegas et a fait partie de l’exposition Made by … Feito por Brasileiros à Cidade Matarazzo, São Paulo.

En 2016, il participe à ‘ŌRAMA, la première exposition de ‘ŌRAMA Studio, un collectif d’artistes basé à Tahiti dont il est membre fondateur, au Musée de Tahiti et des Iles.

En 2017, son oeuvre TE ATUA VAHINE MANA RA O PERE – L’Aube où les Fauves viennent se Désaltérer une installation où il tisse les récits de Pere avec les nombreux expérimentations nucléaires dans le Pacifique, ouvre à la 1ère Biennale de Honolulu; une peinture murale couvrant 4500m2 du MHKA – Musée d’Art Contemporain, Antwerp intitulée Te fanau’a ‘una’una na te Tumu: THE SENTINELS, dans l’exposition Un Institut Temporaire des Futures; et ME’TIA – An Island Standing, la première d’une nouvelle série d’oeuvres vidéo, dans Tidalectics à TBA21 / Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Vienne; qui a aussi été installée au Fresnoy, à Tourcoing et au Musée d’Art Moderne de Dubrovnik, en Croatie.

En 2018, Alexander Lee a dessiné le nouveau logo d’ Air Tahiti Nui; CANOPUS, un mémorial immatériel pour commémorer le 50e anniversaire de la plus puissante détonation de la France dans le Pacifique, sous forme de défilé de mode, est présenté dans les Jardins de l’Assemblée Territoriale de la Polynésie Française; et Alexander Lee: NO’ANO’A, une esquisse visuelle sur la peinture et l’exotisme autour du mythe de Tahiti et de Paul Gauguin, est exposé à Marisa Newman Projects, NY.

En 2019, Alexander Lee peint A cause du déluge, une fresque de 42 mètres de long dans le Grand Hall du CAC, Vilnius, Lithuania. En 2021, sa sculpture intitulée ‘ŌFA’I, Pierre Lune, est installée dans le Village de Lahaymeix, à Vent des Forêts (Meuse, France); et fait partie de l’exposition EXPOSURE: Native Art and Political Ecology au Museum of Contemporary Native Arts, Santa Fe, Nouveau Mexique.

Avec le soutien de Air Tahiti Nui.

Myriam Omar Awadi est une artiste franco-comorienne née en 1983 à Paris. Elle vit et travaille à La Réunion. Elle invite des voix pas toujours audibles, à la recherche des feux que leurs derniers souffles ravivent : des millions et myriades d’âmes d’espèces faites de bois, d’argile, de verre, de broderie, de paillettes chatoyantes et d’eau de mer, s’égouttent sur les micros et se réveillent de leurs extinctions préméditées par la sueur de nos écoutes déviantes. Elles racontent des histoires pour les jardins, elles bercent le suprématisme morbide, elles chantent la politique diluée dans les humeurs liquides de l’amour.

Le travail de Myriam Omar Awadi a été présenté dans de nombreuses institutions dont la Bamako Encounters African Biennale of Photography (Mali, 2019), Palais de Tokyo (France, 2021), MADOI with Le Louvre (France, 2021), le Zeitz Mocaa (Afrique du Sud, 2022) et à la Biennale de Kochi-Muziris (Inde, 2023).

Beau Bree Rhee (elle/iel) est un.e artiste visuel.le et chorégraphe. Son travail est centré sur les écologies corps-espace et nos dépendances radicales avec l’environnement et le cosmos.

Elle travaille principalement avec la danse, le dessin et la peinture, ainsi qu’avec des poèmes, des partitions et des installations. Rhee est trilingue et triculturelle (coréenne-américaine-française). Iel s’investi dans un travail collaboratif et multimodal reliant des disciplines telles que la cosmologie, l’écologie, le mythe et le son. Sa dernière œuvre, Shadow of the Sea, utilise le mythe comme un moyen lyrique de naviguer dans l’Anthropocène.

Rhee a présenté son travail dans des institutions telles que The Kitchen, Madison Square Park Conservancy, Ma’s House BIPOC Art Studio, KW Institute for Contemporary Art, Bard Graduate Center Gallery, Kaaitheater Bruxelles, Baryshnikov Arts Center, MoMA/PS1. Rhee est professeur à la Parsons School of Design et a été invitée à donner des conférences à l’université Columbia, à l’université Yale, au Whitney Museum, au Guild Hall East Hampton et à d’autres endroits.  En 2021, elle a reçu une bourse du Tishman Environment and Design Center pour un projet de land art à long terme. Basée à New York, elle est jardinière et nageuse amateur.

MFA, Haute école d’art et de design (HEAD) Genève (2012)

BA, histoire de l’art et danse avec mention Barnard College, Columbia University (2008)