11 résultats pour “on-des”

Anthony Plasse est un artiste français né en 1987.

« Pour être tout à fait clair, la pratique artistique d’Anthony Plasse, quelle que soit son apparence noire, est diaphane. Comprendre, à travers ce simple énoncé, toute la complexité des images produites, est simple. Ces œuvres sont extraordinaires. Elles sortent de l’usage commun de la photographie par des processus expérimentaux éprouvés par l’artiste. La chambre noire, habituel espace de la révélation, est aussi pour A.Plasse, celui de la prise de vue. Un espace génétique capable de produire une représentation de façon quasi autonome. Cette autonomie, cette liberté offerte aux différentes étapes de la construction photographique est le résultat d’une distinction opérée volontairement par l’artiste. A.Plasse le souligne ; il souhaite créer une distance entre sa main et le support pour lui permettre de réaliser ce que trop directement, il ne pourrait produire sans elle.

Si on considère la peinture comme le traitement indirect du réel et la photographie son impression ; on doit reconnaître en cet artiste, un peintre et un photographe conjugués au singulier. Historiquement, le repère chronologique sur lequel on pourrait placer cette fusion, se situerait quelque part entre la fin de la peinture académique, l’apparition des avant-gardes historiques et le début de la photographie ; son origine serait alors poétiquement nichée dans l’air de Paris du 35 boulevard des Capucines durant le printemps 1874. Ce repère symbolique est celui d’une infime limite entre le réel et sa représentation, ce qui rend la pratique d’A.Plasse extraordinaire, c’est qu’elle s’établie à l’extrême point de mi-distance entre les deux. On ne peut difficilement être plus clair. »

Martial Déflacieux, mai 2019

Karla Hiraldo Voleau, née en 1992, est une artiste franco-dominicaine. Elle a obtenu son diplôme de la Haute école d’art et de design ECAL, à Lausanne (Suisse) en 2018. Son projet et premier livre photo Hola Mi Amol, a été publié en 2019. La publication a été lauréate des Jeunes talents suisses de la photographie VFG, puis présentée à Paris Photo dans la Aperture First Book Awards 2019 shortlist. Karla Hiraldo Voleau fait partie des Foam Talent 2020, et elle est lauréate de la bourse Olympus Recommended Fellowship 2020. Plus récemment, elle a exposé son projet performatif A Man in Public Space, à la Biennale de l’Image Possible de Liège 2020, aux Journées Photographiques de Bienne 2021, ainsi qu’à la galerie Webber durant Photo London 2021. Elle présentera sa première exposition solo Another Love Story à la Maison européenne de la photographie à Paris, en juin 2022.

Elle travaille principalement sur l’identité, les rôles de genre, ou encore sur les mécanismes internes des relations affectives. Elle est souvent sa propre protagoniste dans ses séries, ce qui rend son travail profondément personnel. Parallèlement, elle s’intéresse à la manière dont les femmes peuvent se réapproprier des thèmes habituellement associés à la masculinité, comme le voyeurisme ou le gaze. Elle cumule dans ses projets narratifs des éléments fictionnels, non fictionnels et auto-fictionnels.Tout en examinant les limites de ce qui est permis dans les interactions humaines, l’amour, la sexualité, l’amitié, elle recherche le point de tension qui sépare la ‘vraie vie’ et la performance.

Olivier Muller est un artiste chorégraphe et plasticien Français. Sa pratique artistique circule entre performance, installation et photographie. Après un master en Arts plastiques et un DNSEP aux Beaux-Arts de Marseille Olivier Muller participe à différentes expositions collectives. Dans le même temps il travail comme interprète avec Christophe Haleb sur différents projets in situ et au plateau (Eveline House Of Shame, Atlas But Not List, Fama, Communextase, Entropic Now et un solo jeune public Retour sur Terre). Il a également eu l’occasion de travailler avec Christophe Honoré dans le film Les Métamorphoses, mais aussi Yves-Noël Genod et Gurshad Shaeman. ll découvre le travail d’assistant avec la création URGE de David Wampach. 

 
En 2015 il intègre le Master EXERCE à ICI-CCN de Montpellier, direction Christian Rizzo. Durant ces deux années il a pu collaborer avec Jennifer Lacey, Didi Dorvillier, Volmir Cordeiro, Miguel Gutierrez, Myriam Van Imschoot, Vincent Dupont, Laurent Pichaud. Depuis 2018 Il travaille avec la chorégraphe Mette Ingvartsen dans la pièce TO COME (extended).

En 2018 il présente son premier solo Hoodie au festival Parallèle à Marseille pour le quel il reçoit une bourse de création du Pôle Art de la Scène de la friche Belle de Mai. Il participe également au Summer Program du Wattermill center dirigé par Robert Wilson. En 2021 il présente Horrible Pugilist Brother un deuxième solo au festival Uzès Danse. Son travail chorégraphique est présenté dans différent festival et théâtre en France.

Son travail photographique fait parti des collections du fond de dotation Agnes b ou de la Villa Noailles.
En 2021 il est lauréat du grand prix de la photographie du festival international de mode de photographie et d’accessoire de mode de la Villa Noailles avec le projet Le Tropique du Yucca.

 
Les espace entre-deux, les formes indéterminées, monstrueuses, en cours d’évolution ou sur le déclin, sont pour lui des vaisseaux à travers lesquels il questionne le principe de métamorphose, arme ultime et ressource face au flot de changements qui advient. Les objets qu’il produis peuvent être scéniques / performatifs, ou bien prendre la forme de mise en scène photographique et d’installation dans les paysages, où la place de l’homme dans son environnement est interrogée de manière quasi allégorique.

Depuis 2015 il collabore avec la photographe Emma Charrin sur un projet autour de la Méditerranée intitulé Des Rives—Provisoire. Ce projet a été soutenu par le fonds de dotation agnès b. La série Baltellala est exposée au FRAC Grand Large — Hauts-de-France à Dunkerque, avec l’exposition collective Un autre monde///dans notre monde. Leur Laporello Baltellala à intégrer la collection des éditons du Frac Sud.
 

Née à New Taipei (Taïwan), Yu-Wen Wang est une artiste pluridisciplinaire travaillant entre Taipei et Paris. Sa pratique suit les traces des récits historiques et des mémoires diasporiques, traversées par les héritages (post)coloniaux qui façonnent Taïwan. Dans ces lieux de faille, elle recueille des histoires personnelles et collectives qui errent le long des marges ; elle y interroge la frontière, ligne étatique et lieu de mémoire. À travers installations, films, créations sonores et performances, elle façonne des paysages habités par des fractures, qui deviennent eux-mêmes des archives vivantes. Diplômée de l’ENSAPC (2022), elle a présenté notamment son travail à AWARE (Paris), à Ygrec–ENSAPC (Aubervilliers) et à la Greater Taipei Biennial of Contemporary Arts (New Taipei).

Née en 1993 à Paris, Isabella est française et canadienne. Diplômée des Beaux-Arts de Paris puis du Fresnoy-Studio National des Arts Contemporains, elle a notamment exposé son travail au Musée La Piscine, au Musée Nicéphore-Niépce et au LAM-musée Art Brut. Plus récemment, elle a participé à la Nuit Blanche 2023 sur la thématique de « La Seine ». 

Elle est passionnée par les arcanes abyssaux qui s’apparentent aux profondeurs psychiques de l’inconscient originel. À travers la photographie, l’installation et l’aquarelle, elle explore l’aspect énigmatique et insaisissable des eaux sombres.

Par ses créations empreintes de fluidité et de romantisme noir, elle ressuscite des sujets qui tendent à disparaitre en leur insufflant une puissance évocatrice et émotionnelle.

Ametonyo Silva est chorégraphe et danseur né à Paraíba, au nord-est du Brésil. À São Paulo, où il suit des études de mise en scène à l’Université de São Paulo, il est constamment en déplacement dans des pratiques collectives à la confluence de la danse, du théâtre et de la transmission. Basé en France depuis 2022, Ametonyo a suivi le master –exerce-  à l’ICI-Centre Chorégraphique National de Montpellier (2022-2024). Son travail articule migration-déplacement-paysage à travers une recherche chorégraphique qui délire des terrains d’abondance partagée. Il s’engage dans des pratiques interdisciplinaires – in situ et à l’intérieur du studio – pour hanter la mémoire vers un réenchantement quotidien de la vie à travers le corps. Ametonyo a collaboré avec différents artistes et contextes tels que Sayonara Pereira, Maria Thais, Flavia Pinheiro, Eduardo Joly, Laura Salerno, Avessa Garcia, Pol Pi, Katerina Andreou, Ishmael Houston-Jones, Maxime Guedaly, Heterônimos Coletivos, Ausgang de Teatro, Fábricas de Cultura, La DÉTER et d’autres. Pour cette résidence de 4 mois à la Cité internationale des arts, il expérimente comment une recherche chorégraphique devient maison à travers des rencontres avec d’autres personnes et leurs savoir-faire.

Alexis Paul est un compositeur, musicien et acteur culturel français né aux Sables d’Olonne en 1987. Son premier professeur fut le trompettiste Érik Truffaz. Relevant de formes et d’élans très divers, son travail est déterminé par une forme homogène d’intention poétique. En dehors de tout cadre académique, il a fondé les groupes Belle Arché Lou à la guitare, Saudaá Group à l’orgue de barbarie et a collaboré dans de nombreux pays avec des artistes allant de la chanson à l’art sonore, tels que Mourad Belouadi (M), Pauline Drand (Fr), Christine Zayed (Pal), Hraïr Hratchian (Ca) ou Layale Chaker (Lb). Ses productions, entre musiques populaires et contemporaines, l’amènent à se produire aussi bien dans des musée nationaux (Palais de la Porte Dorée, Château d’Angers), des Fondations d’art (Fon- dation Cartier, Villa Empain) que des salles de musiques actuelles comme la Boule Noire.
 

En 2016, il a passé l’année en solitaire pour un projet de création à l’orgue de barbarie, inter- rogeant dans plus de 10 pays la matière qui relie la musique à son environnement. Ses travaux portent plus particulièrement sur la musique comme « outil » et ses projets les plus récents s’articulent autour du concept d’Orgue-Paysage. Un élan qui, sous le prisme de l’orgue populaire, s’intéresse aux traditions folkloriques, à leur renouveau et leur détournement possible.

Il s’intéresse à l’écriture, à l’ethnopoétique et compose pour le cinéma ou le docu- mentaire. En 2020, il fait partie des lauréats du programme de l’Institut Français « Résidences sur mesure » pour son projet de recherche sonore sur la broderie palestinienne.

ARTS VISUELS
SCULPTURE

Le travail de Céline Lastennet sonde sans cesse les limites physiques et conceptuelles de la gravité du corps pour refléter les réalités de la vie contemporaine. Sa pratique de la sculpture va au-delà de la notion d’objet : c’est une expérience. Cette réflexion sur l’expérience s’incarne dans des propositions de sculptures étroitement liées à l’architecture et aux infrastructures de notre environnement quotidien.

Lors de sa résidence à la Cité internationale des arts, Céline Lastennet entame des recherches sur la lecture des nouveaux réseaux de communication du Grand Paris, qui entre ciel et terre, exprime le désir utopique et paradoxal de l’Homme de défier les lois de la gravité tout en cherchant à s’ancrer davantage sur le sol.

Né en 1990, Jake Troyli est un artiste américain qui vit et travaille à Chicago. Il a obtenu son Bachelor of Fine Arts à la Lincoln Memorial University, Harrogate, TN (2013), son Master of Fine Arts à l’Université de Floride du Sud, Tampa (2019), et a fréquenté la Skowhegan School of Painting and Sculpture, ME (2019). Il a obtenu une bourse du Provincetown Fine Arts Work Center pour la saison 2019-2020, a été résident ACRE à Steuben, WI (2018), et a reçu la bourse Creative Pinellas Emerging Artist Grant, Largo, FL (2017). Ses œuvres font partie de la collection permanente du Ringling Museum, Sarasota, FL, et du Nerman Museum of Contemporary Art, Overland Park, Kansas.

“Mon travail traite de la (mauvaise) représentation, de la performance, de l’altérité et de la construction de l’identité. En utilisant ma propre forme comme une sorte d’avatar élastique, et en m’appropriant des motifs à la fois classiques et comiques, mes peintures existent dans un espace qui défie et subvertit les suppositions immédiates. Au lieu de cela, j’utilise une auto-image consciente et un langage familier pour naviguer dans des conversations tendues avec mon spectateur, et avec moi-même. Par la présence d’une iconographie ressemblant à des accessoires et de compositions rappelant les décors de théâtre communautaire, je positionne mes personnages comme des marchandises performantes constamment exposées. Simple spectacle pour le plaisir du public, chaque personnage tente d’établir et d’interpréter une narration donnée d’une manière juste assez convaincante pour gagner l’admiration du public, avec des symboles d’anxiété de performance et de vulnérabilité intégrés dans chaque œuvre. Alors qu’une grande partie de mon travail récent a été produite à une époque où le corps noir est au plus fort de la discorde sociopolitique, les peintures ne viennent pas nécessairement en réponse à l’agitation contemporaine, mais à un débat éternel autour de la marchandisation de la négritude. Qu’est-ce que cela signifie d’être hyper-visible ? Et avec quelle facilité la frontière entre le sujet et l’objet commence-t-elle à s’estomper ?”

— Jake Troyli