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Malte Zander (né en 1991 en Allemagne) est un artiste et un cinéaste qui vit et travaille à Vienne, en Autriche. Il a étudié la peinture dans la classe de Henning Bohl à l’université des arts appliqués de Vienne et le cinéma au Fresnoy – Studio national des arts contemporains.

Combinant l’imagerie générée par ordinateur avec le film et la toile, il crée des images en mouvement ainsi que des œuvres en arrêt sur image. Ses environnements narratifs sont souvent construits spatialement et temporellement sur la durée de plusieurs expositions en référence à la culture de l’image en ligne et à la narration cinématographique.

En 2019, il a obtenu le prix de la Kunsthalle Wien pour son exposition de fin d’études Torpor. Pour son exposition solo à la Kunsthalle de Vienne, il a développé l’installation cinématographique à grande échelle Languor.

Son travail a notamment été présenté à la Kunsthal Charlottenborg, La Casa Encendida, Plug In ICA, Exile Gallery et Gärtnergasse.

La pianiste, compositrice, chef d’orchestre et professeure à l’université de Berkeley, en Californie, Myra Melford, que le New Yorker a qualifiée de “pilier du mouvement du nouveau jazz”, a passé les trois dernières décennies à créer une musique originale qui est à la fois stimulante et captivante.

Elle a exploré un large éventail de formats, parmi lesquels des récitals solo-piano ruminants, des combos profondément interactifs et des programmes multidisciplinaires ambitieux, sondant l’espace partagé entre le jazz dynamique en petits groupes et la musique de chambre contemporaine.

Depuis 1990, elle a construit une discographie de plus de 25 albums en tant que chef d’orchestre, et a été récompensée par de nombreux classements dans les sondages DownBeat, une bourse Fulbright en 2000, un prix Alpert en 2012 pour la musique et, entre 2013 et 2016, une bourse Guggenheim, le Doris Duke Performing Artist Award et la Résidence Doris to Build Demand for the Arts.

The Other Side of Air, le dernier album de son quintet Snowy Egret, a été désigné comme l’un des meilleurs enregistrements de jazz de 2018 par le New York Times et l’un des 50 meilleurs albums de 2018 de NPR Music. “C’est une musique avec une capacité infinie d’élasticité et de surprise”, a écrit NPR, “en même temps qu’un esprit de cohérence affirmée.”

ENTRETIEN

Une résidence à Montmartre, à la Cité internationale des arts, c’est comment?

“C’est merveilleux. Ca m’a permis d’avoir un lieu où me poser pour travailler, exister en tant qu’artiste, developper une pensée et d’être connectée avec l’actualité d’une ville comme Paris. J’ai pu écrire dans le calme, travailler dans mon atelier qui était à la fois un lieu de vie. Cela a signifié une immersion totale dans une dynamique de travail très belle et productive ; et c’est toujours d’actualité.”

Quels sont vos projets en cours ?

“Je viens de finir le tournage d’un film composé de huit episodes sur une histoire féministe de l’art. Je suis en train de faire le montage et edition de ce film/série. Ensuite cette pièce sera présentée lors d’une exposition personelle à la Villa Vassilief qui commence le 17 mai 2019, je preparerai après des pièces pour la biennale de Curitiba (Brésil), une exposition personelle au Centre Pompidou, et une série de performances autour de la question de l’inflation comme force productive.”

BIOGRAPHIE

Liv Schulman observe la manière dont les sociétés contemporaines procèdent à l’aliénation des individus et des groupes sociaux. Les discours qui sont au cœur de ses pièces traitent de la place la subjectivité au sein de l’espace politique, de la difficulté à lui donner crédit. Ainsi donne-t-elle à voir une vraie télénovela à la télévision aussi bien que dans un musée. Elle nous fait adhérer à ses thèses en même temps qu’elle les saborde. Dans l’incrédule croyance de sa production, créer implique de faire l’expérience directe d’un milieu, d’un système, d’un sujet.

Liv Schulman est née en 1985. Elle a grandi à Buenos Aires (Argentine) et vit et travaille à Paris. Elle a étudié à l’ENSAPC, Cergy, à la Goldsmiths University of London (Royaume-Uni), à l’UTDT, Buenos Aires et à l’ENSBA, Lyon.

En 2018, elle est lauréate de la bourse de recherche ADAGP de la Villa Vassilieff et lauréate du prix Fondation d’entreprise Ricard.

Elle est représentée par la galerie Piedras, Buenos Aires.

Ludovic Salmon peint des sociétés de services, des salariés en open space, des postiers perdus en campagne, des machines obscures, des livreurs de sushis… Il représente des sujets sociaux en oscillant entre registre tragique, fantastique et grotesque.

Dans la plupart de ses peintures, l’humain apparaît en prise directe avec un monde contemporain qui semble se déliter. Le monde du travail, la vitesse qu’il induit, la violence symbolique ou réelle sont des sujets récurrents dans ses toiles. Bien que figuratives et empreintes d’une certaine culture de l’image, celles-ci proposent une matérialité contrainte par les gestes de l’artiste (effacement, grattage…).

La peinture est pour Ludovic Salmon une zone intermédiaire, entre l’image et la matière, à déchiffrer et à interpréter. Elle possède une force comique, onirique et critique.

María Silvia Esteve est une réalisatrice, scénariste et productrice argentine, née au Guatemala. Formée aux beaux-arts et à la musique depuis sa jeunesse, elle a d’abord étudié le chant lyrique avant de poursuivre une carrière dans le cinéma. 

Elle a étudié et enseigné les arts audiovisuels à l’Université de Buenos Aires et a été récompensée par l’Association espagnole des auteurs de photographie cinématographique AEC, avant de débuter sa carrière avec le film « Silvia ». Le long métrage a fait son avant-première mondiale à l’IDFA 2018, a reçu le « Artistic Vision Award » à Docaviv et a remporté des prix à DocLisboa et au Festival du film de la Habana, entre autres.

Sélectionnée pour la Biennale de l’art jeune de Buenos Aires, la réalisatrice a participé à IDFAcademy, IDFA Summer School et IDFA Project Space, avec son nouveau projet en phase de production, « Mailin ». Le film a été lauréat du IDFA Bertha Fund, a remporté le Fond Métropolitain des Arts, le Brouillon d’un rêve Documentaire de la SCAM, et a été double lauréat à Visions du Réel Industry 2022 pour le projet à plus fort potentiel international. 

Seul film argentin à Cannes 2022, son court-métrage « The Spiral » a été présenté en première mondiale lors de la 54e Quinzaine des Réalisateurs, et a été sélectionné dans des festivals tels que New Directors/New Films du MoMA et Film at Lincoln Center, Hong Kong International Film Festival, IDFA, entre autres.

Actuellement, Silvia a commencé à écrire son premier long métrage de fiction « Fauces », lauréat du Focus COPRO’ 2022 – Cannes, sélectionné pour le TorinoFilmLab. Le film est fondé sur son film « Criatura », qui a remporté le Pardino d’oro du meilleur court métrage d’auteur au Festival de Locarno 2021. 

En tant que cofondatrice et présidente du collectif audiovisuel féminin HANA Films, ses films sont des histoires de femmes, menées par des femmes, avec un fort recherche expérimental et plastique.

Angeliki Papoulia est née à Athènes, en Grèce. Elle est actrice et directrice de théâtre. Elle est diplômée de l’Université nationale et kapodistrienne d’Athènes (département des études théâtrales) et de l’école d’art dramatique du théâtre Empros.

Au cinéma, elle a participé au film Dogtooth de Yorgos Lanthimos qui a remporté le prix Un certain regard au Festival de Cannes et a été nommé pour le meilleur film en langue étrangère aux Academy Awards (Oscars). Pour son rôle dans Dogtooth, elle a reçu le prix Heart of Sarajevo de la meilleure actrice au festival du film de Sarajevo. Elle a également participé à Alps de Lanthimos, qui a remporté l’Osella du meilleur scénario au festival de Venise, et à The Lobster, qui a remporté le prix du jury au festival de Cannes. Elle a joué dans A Blast et dans Le miracle de la mer des Sargasses réalisé par Syllas Tzoumerkas, pour lequel elle a remporté le prix de la meilleure actrice aux Hellenic Film Academy Awards. Elle a également participé à de nombreux autres longs métrages, notamment Human Flowers of Flesh d’Helena Wittmann et A Little Love Package de Gaston Solnicki.

En 2004, elle a cofondé la troupe de théâtre Blitz. Elle a écrit, mis en scène et joué dans toutes les représentations du groupe. Le groupe a présenté ses spectacles dans divers festivals et théâtres en Europe (Festival d’Avignon, Théâtre de la Ville, La Comédie de Reims, Théâtre Schaubuhne, Théâtre Thalia, Centre Barbican) et en Grèce (Festival d’Athènes et d’Epidaure, Centre culturel Onassis, Théâtre national) et a effectué de nombreuses tournées au fil des ans.

Dernièrement, elle a codirigé avec Christos Passalis des représentations théâtrales au Luzerner Theater de Lucerne, en Suisse.

Elle écrit actuellement une pièce de théâtre intitulée AVERNO. Averno est un petit lac de cratère, à dix miles à l’ouest de Naples, en Italie. Il est considéré par les anciens Romains comme l’entrée des enfers.

Isam Elias est un pianiste, compositeur, chanteur et auteur de chansons palestinien. Né en 1991 à Nazareth, il a été très tôt touché par la musique arabe traditionnelle et a commencé à jouer du piano à 6 ans.

Il a cofondé le groupe Ghazall Band, en tant que pianiste et claviériste, chanteur et auteur de chansons. Leur premier album A Tareeq, est sorti en 2017.

La même année, Isam Elias est diplômé de la Rimon School of Jazz & Contemporary Music, avec une spécialisation en interprétation au piano et en production musicale.

Il a également cofondé Zenobia, un duo électrique combinant des mélodies pop arabes, des rythmes dabkeh palestiniens/syriens, des synthés et des rythmes puissants avec des relents dub occasionnels. Ils ont sorti leur premier album Halak Halak en 2019 sous le label Crammed Discs Records.

Olivia Kim est une harpiste coréenne-américaine.

Elle a obtenu son master en interprétation/pédagogie de la harpe au Peabody Conservatory en 2017 avec une bourse complète et a reçu le prix Harold Randolph lors de l’obtention de son diplôme. Après avoir obtenu son diplôme à Peabody, elle a été recrutée pour enseigner au Tamnak Prathom Harp Centre à Bangkok, en Thaïlande. Pendant son séjour là-bas, elle a enseigné à plus de 30 étudiants, et a donné des concerts en l’honneur de feu le roi Rama IX.

Actuellement, elle poursuit le diplôme de Concertiste à l’École Normale de Musique de Paris sous la tutelle de Nicholas Tulliez en tant que bénéficiaire d’une bourse complète.

Olivia Kim a remporté des prix internationaux et s’est produite dans le monde entier en tant que soliste et en collaboration avec des orchestres et des musiciens de chambre renommés.

Elle a été soliste avec la League of Strings lors de sa tournée en Chine et a été invitée à présenter un concert au World Harp Congress à Hong Kong. Elle s’est produite avec le Peabody Symphony Orchestra, le Concert artists of Baltimore et l’Orchestre Philharmonique de Radio France. Olivia Kim a également travaillé avec des chefs d’orchestre célèbres tels que Marin Alsop, John Adams, Markus Stenz et Mikko Franck.

M’barka Amor vit et travaille entre Lyon et Paris. Diplômée de l’École des Beaux-arts de Lyon, elle poursuit un travail plastique protéiforme qui s’ancre dans une pratique de dessin et d’écriture, qui s’érigent, simultanément en volume, vidéo, installation pour des parcours d’exposition à chaque instant immersifs, réflexifs et esthétiques. Son travail a été montré à la Galerie 31Project Paris, l’Institut des Cultures de l’Islam, Fondation H.

En mars 2023, elle présente au centre d’Art Madeleine Lambert sa première monographie institutionnelle intitulée Le Rêve de l’Autre et poursuit avec une résonance de la Biennale d’Art contemporain de Lyon 2024 ou elle déploie une installation dans l’espace Manifesta.

Elle est représentée par la Galerie 31Project à Paris.

Né en Turquie, Emre Hüner vit et travaille entre Istanbul et Amsterdam.

Il utilise le dessin, la vidéo, la sculpture, l’installation et l’écriture pour fabriquer des récits et créer des structures ou assemblages éclectiques.

Il explore les thèmes de l’archéologie, des utopies déçues et de la technologie, ainsi que les notions de progrès et de futur(s) à travers une réinvention de l’architecture, des spéculations sur le langage et la matérialité de formes organiques et artificielles. Son travail a récemment été exposé au Arter (Turquie, 2021,), au Maxxi (Italie, 2016), à la 14e Biennale d’Istanbul (Turquie, 2015), Manifesta 9 (Belgique, 2012) et au New Museum (États-Unis, 2009). 

The Archive of Capillary Ruins: A Speculative Index est un processus d’écriture de diverses œuvres textuelles, à la fois accumulatif, fragmentaire et basé sur la recherche. Le projet, en tant que dispositif, fera émerger les parties interconnectées d’un récit, diverses formes sculpturales – rendus 3D de prototypes, pièces de céramique, répliques moulées –, ainsi que plusieurs séquences semi-fictionnelles.

Adoptant une méthode ouverte de production expérimentale, le projet tend à se définir comme un processus évolutif et non comme un produit fini. L’œuvre évoluera et s’épanouira sous la forme de récits entrelacés et capillaires, de worldbuildings architecturaux et d’épisodes volontairement incomplets. Elle inclura des spéculations sur du matériel d’archives, la manipulation d’informations encyclopédiques, et des excursions dans des lieux réels tels que le jardin d’agronomie tropicale, l’Observatoire de l’Espace du CNES, l’ITER, et les serres expérimentales Abiophen du Cirad. 

Anna Biriulina est une artiste dont la pratique s’étend aux films hybrides et à l’art expérimental. Née et élevée en Sibérie, elle a d’abord étudié les sciences politiques et le cinéma documentaire à Saint-Pétersbourg, en Russie. En 2024, elle est diplômée du Fresnoy – Studio national des arts contemporains et poursuit actuellement un doctorat en recherche-création sur la réalité virtuelle en tant que médium artistique, dans le cadre d’un programme conjoint entre Le Fresnoy et l’Université de Lille.

Le travail de Biriulina explore la manière dont les individus perçoivent leur passé et leur patrimoine culturel dans un monde de plus en plus façonné par les technologies numériques. Sa démarche artistique s’intéresse à la tension entre les identités fantômes—vestiges de racines culturelles perdues—et la résilience nécessaire pour reconstruire des réalités fragmentées. En mêlant matériaux d’archives et techniques numériques de pointe, elle crée des récits immersifs contre-historiques qui remettent en question les perceptions conventionnelles de l’histoire et de l’identité. Parmi ses œuvres marquantes figurent The Imaginary Tatars (2022), un documentaire autofiction expérimental, et Memories of Tartaria (2024), un film docufiction en réalité virtuelle qui réinvente des histoires oubliées.