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Olga Tsvetkova est chorégraphe, directrice de théâtre et conservatrice de danse.

En Russie, Olga Tsvetkova a travaillé comme danseuse dans le projet Kinetic de Sasha Pepelyaev. Elle est diplômée de la School for new Dance development (SNDO, Amsterdam). Pendant ses études, elle a participé à des œuvres de Debora Hey (États-Unis) et de Benoit Lachambre (Canada). En 2016, elle a été résidente de Dansateliers à Rotterdam. En 2017, elle a obtenu son diplôme de master en théâtre à Amsterdam (DAS Theatre) et a bénéficié d’une bourse DANCEWEB à Vienne (Impulstanz festival). De 2018 à 2022, elle a travaillé en tant que conservatrice à la fondation V-A-C (Maison de la culture GES-2 à Moscou). En 2021, elle travaille en tant qu’experte russe au sein du réseau européen de danse Aerowaves. En 2022, après le début de la guerre, elle quitte Moscou pour Petersburg et y fonde, avec Kseniia Volkova, la « New dance academy », un programme d’un an destiné aux chorégraphes et axé sur les réseaux de danse européens.

Sa collaboratrice Angelina Rud commence à étudier la musique à Rostov-sur-le-Don. Elle étudie au Conservatoire Rachmaninov de Rostov, participe à divers festivals, concerts et expositions.
Elle obtient son diplôme avec mention au Conservatoire Rimsky-Korsakov de Saint-Pétersbourg, puis se produit sur la scène du théâtre Mariinsky dans le cadre des programmes de musique de chambre. Lauréate de concours internationaux et russes et d’une bourse présidentielle. Elle a été nominée pour le prix du théâtre national russe « Masque d’or ». Vivant actuellement à Paris, elle mène une activité de concert et de pédagogie, se spécialisant dans les problèmes et les modes de perception de la musique chez les enfants malentendants et les autistes. Passionnée par l’interprétation de la musique classique moderne, elle écrit également de la musique électronique pour diverses productions et représentations avec différents artistes.

Se souvenir de certaines des actions qui ont marqué chaque étape de la construction de ce lieu est un voyage très agréable.

Les moments pleins d’émotions, de détente, d’affection, d’échanges, de pauses, de soins, de désirs et de distances, sont comme des reliques de rencontres et d’adieux.

Ces chemins sont aussi de la poussière et des empreintes de pas, ce sont des bouteilles vides et des taches sur les vêtements, ce sont des blessures sur la peau et les cheveux sur le sol, ou même, ce sont des prétextes pour continuer à expérimenter librement, dans l’espoir de te retrouver, de pouvoir construire un nouvel espace. Je le crois toujours : peut-être que bientôt les barrières qui nous séparent encore deviendront plus fluides, peut-être ce qui était censé être ici maintenant, sera pour plus tard ou tout simplement ailleurs. Donc, on continue à marcher, ensemble.

– Gabriel Moraes Aquino

Le voyage à l’intérieur de soi est important pour Gabriel Moraes Aquino. Ses œuvres déploient pas à pas une réflexion sur le corps, sur notre manière d’être, d’apprendre et lire, sur le socium et enfin sur le monde dans toute la diversité de cultures qui s’entrelacent. Son geste très pointu et parfois fuyant se déploie dans les séries d’actions, de photos, de sculptures et de vidéos, comme un moyen de provoquer un débat, une discussion collective.

Pour Gabriel Moraes Aquino, l’art fait partie de son être et de ses errances. Dans sa vie comme dans sa pratique artistique rythmée par des séjours dans plusieurs pays : Brésil, Chine, Angleterre, France, Portugal, Japon, il cherche à s’imprégner de l’environnement et des indices sociaux en se fondant entièrement dans le lieu où il se trouve. Sa volonté de presque digérer la culture des autres, qui se manifeste à travers sa parole et son attitude, s’apparente de loin au Manifeste anthropophage de Oswald de Andrade. De Andrade employait la métaphore d’anthropophagie dans ce manifeste pour introduire l’idée de libération et d’assimilation simultanées. Le cannibalisme culturel d’aujourd’hui, permet-il toujours l’émancipation qui nous unifie politiquement, socialement et économiquement ? (…)

– Extrait du texte écrit par Anastasia Krizanovska, publié sur PAUSE, édition Nº1

Berglind Erna Tryggvadóttir (1993) est une artiste visuelle et écrivaine basée à Reykjavik, en Islande. Elle a étudié les beaux-arts à l’Académie des arts d’Islande, à l’Institut Piet Zwart et à l’École nationale supérieure d’arts de Paris Cergy. Elle a également une maîtrise en écriture créative de l’Université d’Islande.

Berglind travaille avec différents médiums, raconte des histoires à travers des objets, des images, du texte et des performances. Elle explore le quotidien avec excitation, regardant souvent les connexions émotionnelles entre les personnes, les objets et les lieux. Berglind Erna a participé à plusieurs expositions, a eu quelques expositions personnelles, en Islande et ailleurs. Elle a séjourné dans des résidences à la galerie de Budapest, Artistes-en-Résidence à Clermont-Ferrand et au musée Serlachius à Mäntta.

Stephen O’Malley est né en 1974, dans le New Hampshire aux États-Unis et est actuellement basé à Paris. 

Il a été membre fondateur de plusieurs groupes de musique dont Sunn O) (1998), Khanate (2000), KTL (2005). Il a également fait partie des équipes fondatrices qui ont créé les labels Southern Lord (1998) et Ajna Offensive (1995), et a travaillé comme directeur artistique pour le label Misanthropy records (1997- 2000). En 2011, il a créé le label Ideologic Organ en collaboration avec Peter Rehberg / Editions Mego. 

Sauvagement prolifique, le travail de Stephen O’Malley se définit par son ampleur, sa complexité et ses intérêts multidisciplinaires. Il collabore fréquemment avec de nombreux musiciens, artistes et compositeurs dans diverses formations, dans le cadre de performances, d’expositions et de productions, notamment avec Scott Walker, la chorégraphe Gisèle Vienne et les auteurs Dennis Cooper et Alan Moore ; les compositeurs Iancu Dumitrescu, Johann Johannson, Alvin Lucier & Phill Niblock ; les artistes Banks Violette, Fujiko Nakaya, Emily Ding, les cinéastes Gast Bouschet & Nadine Hilbert, Jim Jarmusch & Panos Cosmatos ; le designer Rick Owens ; l’IRCAM, l’INA-GRM (Paris), MONOM (Berlin), EMS (Stockholm), & d’autres. 

Il s’inspire d’une pratique sonore profondément informée, développée par sa fascination pour le dhrupad, l’instrumentation à long fil, la musique drône, le spectralisme phénoménologique et le bain sonore/guérison. Stephen O’Malley présente des pièces de longue durée de microtonalité et de physique.

En tant qu’interprète en direct, il a effectué de nombreuses tournées dans le monde entier depuis 2003.