Les artistes en résidence

Pauline Boudry et Renate Lorenz travaillent ensemble à Berlin depuis 2007.

Elles produisent des installations qui chorégraphient la tension entre visibilité et opacité.

Leurs films capturent des performances devant la caméra, souvent à partir d’une chanson, d’une image, d’un film ou d’une partition d’un passé proche. Ils bouleversent les récits historiques normatifs et les conventions de la spectature, car les personnages et les actions à travers le temps sont mis en scène, superposés et réimaginés. Leurs interprètes sont des chorégraphes, des artistes et des musiciens, avec lesquels ils entretiennent une conversation à long terme sur les conditions de la performance, l’histoire violente de la visibilité, la pathologisation des corps, mais aussi sur le compagnonnage, le glamour et la résistance. Leurs sculptures et objets font souvent référence à la potentialité de la performance, en utilisant des matériaux qui se connectent à des accessoires, des scènes, des costumes, des microphones, des perruques ou des pistes de danse.

Les œuvres de Pauline Boudry et Renate Lorenz ont été présentées dans de nombreuses institutions, notamment au musée MUAC de Mexico (2025), au Philadelphia Museum of Art (2025), à la 35e Biennale d’art de São Paulo, Brésil (2023), au Crystal Palace/Musée Reina Sofia de Madrid, Espagne (2022-2023), au Centre Pompidou, en France (2023) ou à la 58e Biennale di Venezia, Italie (2019).

ARTS VISUELS
 

Julien Bouillon (France) est un artiste visuel, né en 1971. Il vit et travaille à Paris. En 1998, il reçoit son M.F.A. École nationale supérieure d’art de la Villa Arson à Nice. Son travail a été exposé, entre autres, au Royaume-Uni, en Espagne, en Allemagne et aux Etats-Unis.

Julien Bouillon a travaillé ces dernières années à détourner un certain nombre de formes standards (tableaux, objets design, magazines, photographies) pour produire des objets spécifiques.

Son travail s’est développé autour du multimédia mais il porte un intérêt permanent pour toutes les techniques. Dans son livre Contre la méthode, Feyerabend a défendu l’idée qu’il n’existe pas de règles méthodologiques immuables dont les scientifiques devraient toujours se servir, et qui garantiraient de façon incontestable la validité de leurs recherches. Il a reproché à une telle méthodologie prescriptive de limiter le champ d’activité des scientifiques et de restreindre par là-même le progrès scientifique. Selon lui, une « dose » d’anarchisme méthodologique ne pourrait être que profitable à la science. C’est ce à quoi Julien Bouillon aspire dans sa pratique artistique.

Rachid Boukharta est un plasticien né en 1988 à Amiens, ville où il poursuit ses études supérieures à la Faculté des Arts de l’Université de Picardie Jules Verne. En 2014, il obtient son Master de Théorie et pratiques artistique avec pour intitulé de mémoire Arabesques et entrelas, miroirs d’une spiritualité et d’une corporéité.

Son travail plastique est en constante évolution : fondé avant tout sur l’évocation d’une énergie vitale, il est nourri par des références à la fois occidentales et orientales, liées aux arts de l’Islam. Ses peintures sont animées par le recours à des couleurs intenses, supports d’une volonté intérieure d’expression. Elles nous invitent dans un univers à la fois onirique et réel, intimiste et universel, à la frontière de l’espace réel et des mondes alternatifs, entre suggestions végétales, sexuelles et structures abstraites. Par l’utilisation de ces motifs ambigus, Rachid Boukharta a toujours essayé de traduire une vision intime et subjective du monde. À travers sa pratique au croisement des civilisations, il en vient inconsciemment à employer des invariants fondamentaux fédérateurs, qui se retrouvent dans toutes les cultures.

Actuellement, l’artiste évoque dans ses œuvres ce qui le traverse le plus intimement, ses attirances, la pudeur liée à la religion, la dualité entre croyance religieuse et orientation sexuelle. L’évolution de sa pratique artistique fait progressivement passer son univers du paysage intérieur au corps fragmenté, au sexe féminin, puis à la représentation frontale du sexe masculin pour exprimer ses interrogations sur l’identité sexuelle et le clivage qu’elle peut engendrer.